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Program Notes: The Triumph of Optimism

Concert Program

Franz Joseph Haydn (1732 – 1809)
Symphony No.28 in A major
I. Allegro di molto
II. Poco adagio
III. Menuet: Allegro molto
IV. Presto assai
Robert Schumann (1810 – 1856)
Symphony No.2 in C major, op.61
I. Sostenuto assai – Allegro ma non troppo
II. Scherzo: Allegro vivace
III. Adagio expressivo
IV. Allegro molto vivace

Program Notes

JOSEPH HAYDN
Born in Rohrau, Lower Austria, March 31, 1732; died in Vienna, May 31, 1809
Symphony No. 28 in A, Hob.1:28 (1765)
Allegro di molto
Poco adagio
Menuet: Allegro molto
Presto assai

In 1761, Haydn was 29 years old when he signed a three-year contract as Vice Kapellmeister to Prince Paul Esterházy.  His job description was something like composer-in-residence, plus acting music director, since the incumbent, Gregor Werner, was elderly and frail and, by now, effectively in charge of only the court’s church music.  With the arrival of a new prince, Prince Nicolaus the following year, Haydn was encouraged to hire several of his colleagues from Vienna and essentially form a new 15-piece orchestra at the Esterházy Palace in Eisenstadt.  Prince Nicolaus was interested in the latest instrumental music and his young Vice Kapellmeister was charged to provide this, both from his own pen and from the available music of other contemporary Austrian composers.  In addition to having responsibility for a host of duties, including those of librarian and personnel manager, Haydn immediately began composing symphonies to display the talents of these household musicians.

Part of Haydn’s contract read: “The said Joseph Haydn will appear daily in the ante-chamber in the morning and in the afternoon (whether here or in Vienna or on the country estate) and be informed there of the high-princely command as to whether there is to be a concert; to wait, but then, after the order has been received, to communicate the same to the other musicians, and not only to present himself precisely at the time arranged but also to keep the others strictly to it, and to take specific note of those who either come late to the concert or absent themselves entirely.”

In the early years, Haydn is believed to have composed three or four new symphonies per year.  In 1764-5, eight new symphonies are known to have been performed at the Esterházy court and the dated manuscripts have survived in the Esterházy archives to this day.  No. 28 in A major, for strings, two oboes and two horns, is the first of this 1765 collection.  It is a sprightly, spirited symphony full of the musical thumbprints that characterize Haydn’s later, better known works.  Take the opening rhythmic pattern of three short notes leading to one long note on the downbeat, as an example.  This simple anacrustic pattern drives practically every measure of the exuberant first movement.  Where Beethoven would take a similar four-note pattern as a means of unleashing 500 measures of angry defiance in his Fifth Symphony, Haydn’s approach is more circumspect.  “Once I had seized upon an idea, my whole endeavour was to develop and sustain it in keeping with the rules of art,” he was to tell his earliest biographer, the diplomat Georg Griesinger, late in life.  A playful harmonic gear shift early on is later taken up by the oboe which drives the music deep into the minor key after an abundance of the major.

Gentle rhythmic vitality complements the short, flowing melody introduced by muted violins as the slow movement opens, the first light and airy, the second low and warm.  The contrasts play out throughout the movement.  A spirited minuet draws its energy from the opening shifting tone colour of the same note played on adjacent, alternating stopped and open strings, first by violins, then by the lower strings.  (This is a time-honoured effect, often found in folk music, known by the French term bariolage).  The movement’s rather strange contrasting trio is for strings alone and seems to evoke a timeless folk melody.  The two contrasting sections of the minuet pleased the Prince for whom the symphony was written.  He had Haydn prepare a version for his own instrument, the baryton (a cello-like bowed instrument with a second set of resonating strings) and bass.  The finale is a busily brisk, toe-tapping gigue.

ROBERT SCHUMANN
Born in Zwickau, Saxony, June 8, 1810; died in Endenich, nr Bonn, July 29, 1856
Symphony No. 2 in C, Op. 61 (1845–6)

One of the landmarks of 19th century German symphonic writing, Schumann’s Second Symphony was written during a troubling period for the composer.  Its outer movements reflect the tremendous effort Schumann went through fighting off the debilitating depression that was to shortly overwhelm him.  In each, a vigorous, cogently argued symphonic structure pursues a Beethovenian trajectory through struggle to victory, though it is the cumulative effect of all four movements that determines the ultimate goal.  As he began composition, however, the subsequent acute headaches and panic attacks that he began to acknowledge during the spring of 1846 presented themselves as a more benign disorder.  In September 1845, Schumann wrote to his friend Felix Mendelssohn: “For several days, there has been much trumpeting and drumming within me (trumpet in C).  I don’t know what will come of it.”  Now in his mid-thirties, with several successful large-scale symphonic works under his belt (the exuberant ‘Spring’ Symphony, the formally innovative D minor symphony, and the no less innovative Overture, Scherzo, and Finale, part concert overture and part symphony), Schumann completed a draft of the work published, and now known as his Second Symphony in just two weeks in December 1845.  The fuller working out and orchestration of the large-scale symphony lasted right up to its première under Mendelssohn’s baton, in Leipzig, November 5, 1846.

There is an underlying serene quality to the opening brass fanfare which heralds a solemn, broad chorale, underpinned by a restless, unsettling contrapuntal flow from the strings.  The two elements are drawn, in part, from the music of Bach, whose music Schumann (and his wife Clara) had been studying and immersing himself in and which had been leading him towards his adoption of what he termed a “completely new manner of composing.”  While the two strands work together at the outset, both elements are developed separately, with the brass motto theme recurring to glow in  the coda of the opening movement and again towards the end of the succeeding movements, especially the last.  The main theme of the first movement proper is expertly evolved from the underlying restless contrapuntal flow in the strings.  As it is developed and cogently argued in brief phrases, the music is constantly questioned by harmonic instability, rhythmic disturbances, and chromatic restlessness.  Schumann puts it this way: “I would say that my resistant spirit had a visible influence on it and it is through this that I sought to fight my condition.  The first movement is full of this combativeness and is very moody and rebellious in character.”

After an energetic, constantly developing first movement, Schumann launches a no less driven Scherzo, rather than the customary slow movement.  In it, the violins joyously navigate a capricious route through countless twists and turns in music that shares something of the lightness and buoyancy of a scampering scherzo by Mendelssohn.   The second of the movement’s two trio sections is coloured by the chorale melody and capped by the brass motto theme.  The heart of the symphony lies in its yearning slow movement in the minor key, providing time for reflection.  Its poignant main theme echoes that of the trio sonata in Bach’s Musical Offering and shares the spiritual depth of the aria Erbarme dich (‘Have mercy’) from Bach’s St Matthew Passion.

The finale is uniquely structured and, from the opening upward rush from the strings followed by decisive orchestral chords, it is a festive celebration of life.  “Not until the last movement did I begin to feel well again,” Schumann reflected two or three years after completing the work.  “Otherwise, it reminds me of a dark time.”  The main theme is upbeat, and its march-like dotted rhythms begin the process of reviewing and transforming themes from earlier movements, in this case the first.  The slow movement’s theme is next, now much quicker, in the major key, and the material for vigorous development, together with the march from the first movement.  Then, suddenly, the music builds to an expectant pause and, in a brilliant touch of magic, Schumann introduces an altogether new theme from the winds, calm, lyrical and almost serene.  It is an homage to Beethoven – but not Beethoven the symphonist, rather Beethoven the song writer with a theme derived from the final song in his song-cycle An die ferne Geliebte (To the distant beloved).  Further development of this and earlier material lead to a variant of the new theme on the strings, now directly quoting from Beethoven where the words are “Take then these songs, beloved, which I sang to you.”  Schumann’s new symphonic song now pushes through to a blazing C major conclusion and the apotheosis of his symphonic writing.  His Second Symphony is music that draws strength and inspiration from the past, creating a new approach to the symphony for the future.  “It will tell you of many joys and sorrows,” Schumann said of his hard-won, but ultimately triumphant symphony.

Notes de programme en français

JOSEPH HAYDN
Né à Rohrau en Basse-Autriche, le 31 mars 1732; mort à Viennes le 31 mai 1809
Symphonie no.28 en la majeur Hob.1 :28 (1765)

En 1761, Haydn avait 29 ans et signait un contrat de trois ans en tant que Vice Kapellmeister pour le prince Paul Esterházy. Sa description de poste s’apparentait de celle de compositeur en résidence, en plus de directeur musical intérimaire, puisque le directeur musical en place, Gregor Werner, était âgé et frêle, et, à présent, en charge uniquement de la musique d’Église de la cour. Avec l’arrivée d’un nouveau prince, le prince Nicolaus l’année suivante, Haydn fut encouragé à engager plusieurs de ses collègues en provenance de Viennes et à former un orchestre de 15 musiciens au palais des Esterházy à Eisenstadt. Le prince Nicolaus était intéressé par la nouvelle musique instrumentale et son jeune Vice Kapellmeister était en charge de la lui fournir, que ce soit en en composant des œuvres lui-même ou en programmant des compositions d’autres compositeurs contemporains autrichiens. En plus d’avoir une multitude de responsabilités, comme celles de musicothécaire et de directeur du personnel, Haydn commença immédiatement à composer des symphonies pour démontrer le talent de ses nouveaux musiciens.

Une partie du contrat de Haydn stipulait que « Joseph Haydn devra se présenter quotidiennement dans l’antichambre le matin et l’après-midi (que ce soit ici ou à Viennes ou à la résidence de campagne) et sera informé à ce moment des souhaits du prince à savoir s’il y aura un concert; à attendre, puis, une fois l’ordre reçu, à communiquer celui-ci aux autres musiciens, et non seulement à se présenter lui-même précisément à l’heure arrangée mais aussi à veiller à ce que tous les autres y soient, et à prendre en notes les noms de ceux qui sont en retard ou absents. »

Durant ses premières années, Haydn composa de trois à quatre symphonies par année. En 1764-5, huit nouvelles symphonies furent présentées à la cour d’Esterházy et les manuscrits ont survécu dans les archives des Esterházy jusqu’à ce jour. La symphonie no.28 en la majeur pour cordes, deux hautbois et deux cors, est la première de la collection de 1765. C’est une symphonie dynamique et fougueuse qui regroupe plusieurs caractéristiques des compositions qui viendront plus tard et qui rendront Haydn célèbre. Prenez par exemple le motif rythmique du début du premier mouvement, trois notes courtes menant à une note longue sur le premier temps de la mesure suivante. Ce simple motif d’anacrouse dirige presque chaque mesure de l’exubérant premier mouvement. Là où Beethoven prend ce similaire motif rythmique de quatre notes comme un moyen d’enclencher 500 mesures de défiance colérique dans sa 5e symphonie, l’approche de Haydn est plus circonspecte. « Une fois que j’avais une idée en tête, ma tâche était de la développer et de la soutenir tout en respectant les règles de l’art, » avait dit Haydn à son premier biographe, le diplomate Georg Griesinger, une fois plus âgé. Un changement de tonalité enjoué au début est repris plus tard par le hautbois qui plonge la musique profondément dans une tonalité mineure après une abondance de majeur.

Une vitalité rythmique douce complémente la courte et fluide mélodie introduite par les violons en sourdines dans l’ouverture du mouvement lent, la première légère et fine, la seconde grave et douce. Ce contraste revient durant tout le mouvement. Le menuet enjoué qui suit tire son énergie d’une technique connue sous le nom de bariolage, une série de notes répétées sur deux différentes cordes en alternance, l’une en note bloquée et l’autre en corde ouverte, d’abord par les premiers violons, puis, par le reste des cordes. L’étrange trio contrastant est orchestré pour cordes seulement et évoque une mélodie folklorique. Les deux sections contrastantes du menuet avaient plu au prince pour qui la symphonie avait été écrite. Il avait demandé à Haydn d’arranger une version pour son propre instrument, le baryton basse (semblable à la viole mais avec des cordes de résonance en double). Le finale est une gigue entraînante qui fait taper du pied.

ROBERT SCHUMANN
Né à Zwickau en Saxe, le 8 juin 1810; mort à Endenich, près de Bonn, le 29 juillet 1856
Symphonie op.61 no.2 en do majeur (1845-6)

Un véritable emblème du répertoire symphonique allemand du 19e siècle, la deuxième symphonie de Schumann fut écrite pendant un période extrêmement difficile dans la vie du compositeur. Le premier et le dernier mouvement reflètent l’effort considérable de Schumann à combattre la dépression débilitante qui le submergerait quelques années plus tard. Dans ces mouvements, une structure symphonique vigoureuse et défendue avec force poursuit la trajectoire Beethovenienne par l’entremise d’un cycle passant du combat à la victoire, même si c’est la culmination des quatre mouvements tous ensembles qui mène au résultat final. En commençant la composition de cette œuvre, les violents maux de têtes ainsi que les attaques de panique dont il serait assailli durant le printemps de 1846 n’étaient encore que des troubles bénins. En septembre 1845, Schumann écrit à son ami Felix Mendelssohn : « Depuis quelques jours, je suis habité par des mélodies de trompettes (en do) et de tambours. Je ne sais pas ce qu’il en deviendra. » Maintenant dans la mi-trentaine, et avec plusieurs succès symphoniques sous la ceinture (l’exubérante symphonie « Le Printemps », l’innovatrice symphonie en ré mineur, ainsi que l’Ouverture, Scherzo et Finale, d’une part ouverture et de l’autre symphonie), Schumann compléta une ébauche de ce qui est aujourd’hui connu comme sa deuxième symphonie en seulement deux semaines, en décembre 1845. La version finale lui prit beaucoup plus de temps à compléter, Schumann y travailla jusqu’à la première représentation à Leipzig le 5 novembre 1846, dirigée par Mendelssohn.

Le début de la symphonie est caractérisé par une fanfare sereine chez les cuivres accompagnée par un courant agité en contrepoint chez les cordes. Ces deux éléments sont tirés, en partie, de la musique de Bach, que Schumann (et sa femme Clara) admirait et dont il s’immergeait, ce qui l’amena à ce qu’il appelait une « toute nouvelle manière de composer. » Bien que les deux éléments fonctionnent bien ensemble au début, ils sont développés individuellement, avec le thème des cuivres revenant triomphalement dans la coda du premier mouvement ainsi qu’à la fin des mouvements suivants, particulièrement dans le dernier mouvement. Le thème principal du premier mouvement (dans les cuivres) est développé de main de maître par Schumann en contraste avec le contrepoint turbulent chez les cordes. Pendant que le thème convainquant se développe, il est constamment contesté par de l’instabilité harmonique, des perturbations rythmiques, et des segments chromatiques tumultueux. Schumann explique sa symphonie de la façon suivante : « Je dirais que mon esprit résistant a eu une influence visible et c’est à travers cette pièce que j’ai tenté de combattre mon état. Le premier mouvement est rempli de cette combativité, à la fois maussade et plein de révolte. »

Après un premier mouvement énergique et en constante évolution, Schumann lance un Scherzo endiablé plutôt que le mouvement lent qu’on trouverait de coutume. Dans ce deuxième mouvement, les violons naviguent joyeusement une route capricieuse comptant d’innombrables tours et détours en musique qui rappellent la légèreté et la rapidité d’un scherzo de Mendelssohn. Le deuxième trio du mouvement est coloré par la mélodie chorale ainsi que le thème des cuivres du premier mouvement. Le cœur de la symphonie se trouve dans son troisième mouvement lent et ardent dans une tonalité mineure, qui donne un temps de réflexion. Son thème principal poignant fait écho à la sonate trio de l’Offrande Musicale de Bach et partage la profondeur émotionnelle de l’aria Erbame dich (‘Prends pitié’) de la Passion selon St Mathieu de Bach.

Le finale a une structure unique et, dès le début de la gamme ascendante frénétique chez les cordes jusqu’aux accords orchestraux décisifs, c’est une célébration festive de la vie. « Je n’ai commencé à me sentir mieux qu’en composant le dernier mouvement », refléta Schumann deux ou trois ans après avoir terminé l’œuvre. « Sinon, ça me rappelle une période obscure. » Le thème principal est optimiste, et ses rythmes pointés se rapprochent d’une marche qui débute le processus d’examen et de transformation des thèmes des mouvements précédents, dans ce cas le premier. Le thème du mouvement lent est le prochain à être transformé, maintenant plus rapide, dans une tonalité majeure, et mis ensemble avec la marche tirée du premier mouvement. Puis, soudainement, la musique s’édifie jusqu’à une pause à couper le souffle, et, avec une brillante touche de magie, Schumann présente un nouveau thème chez les vents, calme, lyrique, et presque serein. C’est un hommage à Beethoven – mais pas Beethoven le symphoniste, plutôt Beethoven le lyriciste, avec un thème dérivé de son dernier cycle de chansons An die ferne Geliebte (À la bien-aimée lointaine). Plus de développement de ce nouveau thème et du matériel précédent mène à une variante du nouveau thème chez les cordes, en citant maintenant Beethoven directement quand le poème dit « Prends ces chansons, ma bien-aimée, que je t’ai chantées. » La nouvelle chanson symphonique de Schumann continue jusqu’à la tonalité de do majeur qui conclue son œuvre et marque l’apothéose de ses compositions symphoniques. Sa deuxième symphonie est remplie de musique qui puise sa force et son inspiration dans le passé, tout en créant une nouvelle approche symphonique pour le futur. « C’est une histoire de plusieurs joies et de peines, » dit Schumann de sa symphonie durement acquise, mais ultimement triomphante.

©2020 Keith Horner
All program notes are written by Keith Horner.  Comments welcomed: khnotes@sympatico.ca
Notes de programme © Keith Horner 2020. Commentaires appréciés : khnotes@sympatico.ca
Traduction : Bénédicte Lauzière